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Pintura al óleo: uso de grises sutiles en la pintura de bodegones

Pintura al óleo: uso de grises sutiles en la pintura de bodegones


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Dos maestros de la pintura de bodegones tienen mucho que enseñarnos sobre el desarrollo de nuestras pinturas.

por Joseph Gyurcsak

Ocre Azul Gris
2007, aceite, 12 x 16.
Colección del artista.

Dos de los maestros más admirados de la pintura de bodegones son el artista italiano Giorgio Morandi (1890–1964) y el pintor francés Paul Cézanne (1839–1906). Son venerados porque los artistas pueden aprender mucho al estudiar sus pinturas y tratar de comprender cómo trataron con una selección de objetos comunes, una composición de formas interrelacionadas, la manipulación sutil de colores armoniosos y una disposición de luz unificada.

Quiero discutir algunos componentes clave en la creación de una pintura al óleo de naturaleza muerta al proporcionar una demostración paso a paso basada en mi comprensión de Morandi y Cézanne. Si usted es un pintor principiante o avanzado, esta demostración le ayudará a mejorar su enfoque en la pintura de bodegones.

Mi pintura Grises sutiles es un bodegón creado en un período de dos horas utilizando una técnica alla prima (pintar de una vez). La pintura al óleo se inspiró en las composiciones, temas y colores de Morandi, que trabajó con objetos similares y una paleta limitada para crear algunas de las pinturas de naturaleza muerta más magníficas que se hayan hecho. Sus pinturas son recordatorios útiles de cuán rico puede ser un sujeto de naturaleza muerta si uno comprende y abraza el género. Lo que al principio parece simplista se vuelve complejo a medida que uno emula el uso sutil de Morandi del color apagado y el pincel visible.

Grises sutiles fue cuidadosamente modelado para que no pierda la espontaneidad implícita en las marcas de pincel. Más detalles no necesariamente mejoran una pintura. De hecho, la edición cuidadosa a menudo tiene más impacto que la elaboración excesiva. Es importante que un artista observe y edite constantemente a medida que su pintura toma forma.
Los colores que utilicé para crear esta pintura fueron el amarillo de Nápoles, el amarillo ocre, la luz roja de cadmio, la siena quemada, el azul ultramar y el blanco de titanio. Mi elección de paleta era limitada, y eso ayudó a establecer la armonía del color. Tonifiqué mi lienzo con un ligero lavado de siena quemada por adelantado (estableciendo una imprimatura), y dejé que la superficie se seque completamente durante unas semanas antes de comenzar la naturaleza muerta. Disminuí el color del aceite de siena quemada con una pequeña cantidad de medio de glaseado Alquídico Utrecht para asegurar que el color no se restablecería a sus propiedades húmedas una vez que comenzara el proceso de pintura.

Una de las formas clave para lograr excelentes mezclas de grises no es tomar el atajo de usar negros o grises premezclados, sino usar varias combinaciones de colores. Por ejemplo, cuando quería un verde grisáceo para mi demostración, combiné ocre ultramarino azul y amarillo y agregué carmesí de alizarina permanente para profundizar y silenciar el color a la temperatura y el valor de color aproximado que necesitaba. Siempre mezclo el color secundario y luego agrego un complemento de valor y temperatura opuestos. El resultado de este método es siempre un gris de cuerpo rico que tiene más profundidad. Tanto Cézanne como Morandi usaron los grises de una manera exquisita al hacer transiciones maravillosas entre los colores puros y las luces y las sombras.

Bodegón de frutas con tapiz
2000, aceite, 20 x 24.
Colección del artista.

Seleccionar un tema
Todos tenemos tendencias, hábitos o preferencias. Al final del día, lo único realmente importante es que pintamos lo que nos emociona. Es más probable que nuestras pinturas tengan ese "factor X" personal cuando pintamos con pasión.

Dicho esto, te sugiero que consideres salir de tu zona de confort de vez en cuando para obtener una comprensión más amplia de ti mismo y del proceso creativo en el que estás involucrado. Por ejemplo, si está intentando una pintura de naturaleza muerta, trabaje desde una disposición de objetos que normalmente no agruparía. Otra idea sería visitar una tienda de antigüedades y descubrir ollas, sartenes, botellas y otros utensilios de cocina viejos que podrían permitirle contar una historia a través de su aspecto desgastado. Finalmente, seleccione los objetos simplemente por su forma, color, textura o tamaño y organícelos de manera que contrasten su apariencia.

En el caso de mi demostración, me concentré en unas botellas muy viejas y descoloridas, un candelabro, una mano de mortero y algunos bloques de madera que coloqué encima de una mesa de modelado. Deliberadamente seleccioné piezas que carecían de colores fuertes porque quería desafiarme a mí mismo para profundizar en la sutileza de las relaciones de color en lugar de un contraste obvio entre superficies muy diferentes.

Componiendo una naturaleza muerta
Una vez que seleccione los elementos de interés, colóquelos donde pueda verlos desde diferentes alturas y ángulos, desde una vista de pájaro arriba, un punto de vista recto o una vista baja de ojo de gusano. Esto lo ayudará a determinar el mejor punto de vista desde el cual el espectador puede ver el tema. Si no está seguro del punto de vista desde el que pintar los objetos, haga bocetos en miniatura o pase las páginas de un libro sobre pintura de bodegones para ver lo que otros artistas han hecho. Considere cómo sus composiciones sugieren un orden equilibrado, un movimiento anticipado, un desorden inquietante o una incertidumbre misteriosa.

Cuando finalmente bloquea una composición, puede presentar una imagen muy compleja o una muy simple. Verá rápidamente que este proceso de toma de decisiones es un paso esencial en la creación de una pintura. Tómese su tiempo, absorba el tema, esté con él, deje que le hable, confíe en su intuición y sabrá cuándo es correcto.

Para esta demostración, arreglé una composición a la altura de los ojos para que las variaciones no provinieran de las relaciones espaciales sino de las diferencias de color, altura y forma.

La importancia de la iluminación
Una vez que tenga una disposición de objetos y un punto de vista establecido, es hora de encender la luz. Puede pasar a través de una ventana iluminada por el sol como una fuerte corriente de luz cálida o con una exposición orientada al norte como luz fresca e incluso creando bordes más suaves con tonos gris azulados. Las lámparas incandescentes pueden iluminar objetos con una fuerte iluminación direccional, creando bordes duros, y pueden aumentar las áreas de luz que podrían definirse claramente.

Tarro de mostaza y botellas marrones
2007, aceite, 12 x 16.
Colección del artista.

Los artistas a menudo recomiendan la luz del norte para un estudio de pintura porque es un resplandor constante de luz fría que crea sombras cálidas. Encuentran eso preferible a un patrón cambiante de luz solar cálida y sombras frías. Ninguna situación de iluminación es correcta o incorrecta. Cada uno es diferente y establece relaciones variables entre la intensidad y la temperatura de los colores. La luz del norte tiende a permanecer estable, lo que permite pintar a un sujeto durante un largo período de tiempo sin que la luz cambie durante el transcurso normal del día. La luz natural ofrece la oportunidad de trabajar con la cálida luz dorada disponible al principio y al final del día; la fuerte luz del sol al mediodía; o el patrón recortado de formas oscuras contra la luz que cayó por debajo del horizonte al final de la tarde.

Si no le gusta la idea de lidiar con patrones impredecibles de luz natural, o si su horario solo permite tiempo para pintar de noche, la iluminación artificial puede proporcionarle horas ilimitadas para pintar un tema. Algunos artistas ven las luces incandescentes como una desventaja porque tienen una temperatura cálida y eliminan la mayor parte de la frescura de un sujeto.

Un hecho importante sobre la iluminación de su sujeto con algo por debajo de 5500 Kelvin (una clasificación del color de la bombilla que mejor asimila la luz natural) es que la luz artificial aparecerá cálida. Algunas bombillas en el mercado ofrecen un mejor equilibrio de luz para ayudarlo a obtener colores más fríos en su pintura. Por ejemplo, muchos artistas usan bombillas incandescentes de espectro completo Chromalux montadas en una lámpara de artista profesional Daylight o una lámpara combinada.

La iluminación es el componente único que le permite establecer colores vivos, opacos, sombreados, resaltados o tonos planos en su sujeto. Esta es una decisión clave para crear una atmósfera en torno a su tema. Muchas grandes pinturas de naturaleza muerta utilizan la iluminación como tema principal. Por ejemplo, si coloca los objetos de modo que algunos de ellos estén iluminados por una luz intensa y otros estén en la oscuridad, creará un gran drama y profundidad en su pintura. Independientemente de cómo elija iluminar su sujeto, recuerde que tiene una herramienta tremenda a su disposición para influir en el efecto general de cómo aparece su sujeto y cómo es probable que los espectadores respondan a él. Cézanne lo sabía bien, y a veces pasaba algunas semanas preparando sus arreglos de naturaleza muerta para tener la iluminación y el entorno adecuados.

Utilicé una lámpara combinada mientras creaba la pintura Grises sutiles. Mi horario de trabajo no siempre me permite pintar en condiciones de iluminación natural, por lo que configuré esta pintura de naturaleza muerta en mi estudio a altas horas de la noche usando bombillas equilibradas o luces fluorescentes que tienen la misma temperatura de color que la luz natural.
La decisión de cómo dirigir la luz sobre los objetos fue guiada por una pintura de Morandi que generalmente estaba iluminada con una iluminación más plana que no proyectaba grandes sombras. Pintar una luz más plana es ciertamente mucho más difícil de grabar porque se basa más en los cambios de color tonal que en las sombras proyectadas, tonos medios distintos y reflejos nítidos. También requiere que un pintor sea más sensible a observar cambios de temperatura.

Mezcla de colores dentro de un rango limitado
A menudo sucede que la armonía de un color domina una naturaleza muerta, mientras que otros dos o tres juegan papeles de apoyo en el drama. Si no está seguro de cuál debería ser esa armonía, coloque una hoja de papel blanco en una superficie plana dentro de las áreas generales del sujeto y luego coloque un pequeño objeto blanco en ese papel para que le revele de inmediato el color La temperatura de las sombras proyectadas debe ser en términos de calor o frescor. El área iluminada será automáticamente la temperatura opuesta. Tener esa información lo ayudará a mezclar colores con mayor precisión en términos de la temperatura de color correcta de sus sombras, tonos medios y áreas claras.

Bodegón en suite
2006, aceite, 8 x 10.
Colección del artista.

Por ejemplo, si el tono general de su sujeto se baña en una luz cálida, puede tener combinaciones de colores como amarillos, rojos y naranjas en las áreas de tonos claros y medios. Las áreas de sombra incluirán combinaciones de azules, violetas y verdes fríos.

Para lograr una armonía de colores, ayuda a establecer mezclas de colores usando una paleta limitada de cuatro a seis colores de tubo en lugar de una amplia variedad de una docena o más. También se recomienda usar el blanco con moderación para evitar debilitar el croma de un color. Es más ventajoso aumentar el valor de un color mezclando colores de valor más claro, como la luz amarilla de Nápoles o el amarillo de cadmio y el limón en lugar de los blancos. Recomiendo usar pequeñas cantidades de blanco para mantener la intensidad del color. Del mismo modo, sugiero neutralizar las mezclas de colores agregando una contraparte complementaria de pigmento. Cuanto más se familiarice con las propiedades únicas de un color, más éxito tendrá con la mezcla de colores porque obtendrá un mayor control de color, consistencia y armonía.

La fotografía de mi paleta muestra claramente cómo se organizaron y premezclaron mis colores. Establecí grandes pilas de color y me concentré en mezclar todos los puntos principales de color que observé en el sujeto. Usar menos colores en la pintura no significa necesariamente usar menos volumen. John Singer Sargent y Joaquín Sorolla y Bastida aplicaron cantidades generosas de color de aceite para que sus pinceladas fueran bastante aparentes. Los artistas que presenciaron a Sorolla en el trabajo comentaron que exprimió tubos enteros de color en su paleta antes de comenzar sus demostraciones.

Valor, color y forma engendrar forma
Una vez que los artistas aprenden a ver grandes manchas de color y no detalles, se centran en la relación de valor, la temperatura del color y la forma. Cuando eliminan las nociones objetivas sobre la identidad del sujeto, son libres de crear con una expresión tremenda. Y cuando su dibujo es preciso y sus colores se mezclan bien, la falta de detalles no resta valor al tema reconocible que emerge y se lee como el tema de la pintura.

Cézanne tenía la capacidad de hacer malabarismos con líneas y formas con la atención adecuada a ambos. Es raro que un artista tenga ese equilibrio porque la mayoría de los pintores prefieren uno u otro. Los volúmenes de sus formas pintadas eran a veces amplios, tonos planos y, en otras ocasiones, cambiaban de luz a sombra. Las cualidades de la línea son colores calculados con fuertes movimientos direccionales que vibran contra las formas de masa. Confió en esas líneas para mantener el contorno del objeto para que sus tonos rotos orquestados o tonos abiertos de color pudieran conservar su frescura.

Saber cuándo parar
En mis clases de pintura, a menudo aconsejo a los estudiantes que se detengan, bajen sus pinceles, se alejen de su pintura y evalúen su experiencia creativa. Necesitan evaluar lo que ya expresaron y luego determinar cómo ir más allá, o detenerse mientras están adelante.

Show itinerante
2006, petróleo, 11 x 14.
Colección del artista.

Me propongo tomar un descanso cada 20 a 30 minutos para revisar mi trabajo desde la distancia. Siempre es sorprendente ver cómo se ven las cosas desde unos pocos pasos atrás, y ayuda ver una pintura en desarrollo desde un ángulo diferente, o guardarla durante unos días y mirarla con una visión fresca. Pintar es más que un proceso de aplicar colores al óleo al lienzo. Es uno en el que se expresan pensamientos y sentimientos. A medida que se hacen evidentes en la imagen, los artistas deben evitar exagerarlos o trabajar el lienzo hasta que la imagen se vuelva rígida e inexpresiva.

Sobre el artista
Joseph Gyurcsak estudió arte en Parsons The New School for Design y en la School of Visual Arts, ambas en la ciudad de Nueva York. Comenzó su carrera profesional a fines de la década de 1980 como ilustrador independiente que trabajaba para clientes de publicidad y publicaciones. Actualmente es el artista residente / gerente de marca en Utrecht Art Supply, en Nueva Jersey, y enseña y da conferencias en todo el país en nombre de la empresa. El artista está representado por Bucks Gallery of Fine Art, en Newtown, Pennsylvania, y Gallery RoCa, en Havre DeGrace, Maryland. Para obtener más información sobre Gyurcsak, visite su sitio web en www.josephgyurcsak.com.


Ver el vídeo: Cómo pintar al óleo: UN BODEGÓN (Junio 2022).